인도 고전 무용 - 인도 고전 무용의 역사

소개

인도 문화의 가장 발전된 예술 형식 중 하나로 간주됩니다. 인도 아대륙의 거대한 지리적 영역에는 매우 다양한 토지, 기후, 민족, 문화 및 언어가 포함되어 있으며 이는 고전과 민속에서 현대까지 다양한 댄스 스타일에 반영됩니다.

클래식

고전적 전통은 수 세기에 걸쳐 이어져 온 고대의 정교한 예술 형식입니다. 이 춤은 사원에서 유래되었으며 데바다시스(사원 무용수)가 공연합니다. 고전 스타일은 신화, 철학, 힌두교 문화의 영적 신념, 그리고 최근에는 이슬람 전통과 관련이 있습니다. 그들은 극작술에 관해 가장 오래된 것으로 알려진 텍스트인 Natyasastra에 뿌리를 두고 있습니다. Bharata는 실제로 극 장르의 창시자라기보다는 매우 오래된 작품의 연구자이자 편찬자로서 더 많은 역할을 했습니다. 가장 널리 받아들여지는 가설에 따르면 나티아사스트라의 연대는 서기 3~4세기로 추정된다. 이 산스크리트어 논문은 드라마를 말, 마임, 춤, 음악의 결합으로 정의하고 그 기술 및 미학적 원칙을 확립합니다.

서기 2세기부터 8세기까지 상당한 다양성이 있었습니다. 점차적으로 무용은 드라마에서 분리되고 각 지역의 특별한 전통을 반영하는 다양한 고전 스타일이 탄생했습니다. 그러나 모든 클래식 스타일은 nritta(순수한 춤), nritya(표현) 및 natya(극적 요소)의 기본 요소를 공유합니다.

natya 내에서 abhinaya(무언극과 몸짓을 통한 극적인 내용 표현)는 각 스타일마다 다른 형태를 취하며 일부는 다른 것보다 더 과장됩니다. 아비나야의 주제도 다양하지만 각 스타일은 나바라사의 가르침, 즉 사랑, 경멸, 슬픔, 분노, 두려움, 용기, 혐오, 감탄, 평화의 9가지 기분 또는 감정을 확증합니다. . 이러한 기분은 눈, 눈썹, 목, 손, 몸의 움직임을 통해 표현하는 수단도 설명되어 있는 나티아사스트라로 분류됩니다.

또한 모든 Ailarinos가 성별에 관계없이 수행할 수 있는 동작에는 두 가지 범주가 있습니다. 즉, 춤의 남성적이고 격렬한 측면인 탄다바(tandava)와 우아하고 여성적인 측면을 나타내는 라샤(lasya)입니다. 모든 스타일은 맨발로 수행되지만 일부에서는 걸음 속도를 높이기 위해 ghungroos(발목 딸랑이)가 사용됩니다. 무드라(손짓), 얼굴과 눈의 양식화된 움직임, 복잡한 리듬 체계는 이 춤의 또 다른 특징입니다.

지역주의

그들은 자신만의 기술과 다양한 표현을 개발했지만 지역적 변형은 Natyasastra에 나타나는 것과 동일한 기본 규칙과 규범을 유지합니다. 각각 독특한 품질을 제공하는 스타일의 차이가 있습니다. 주요 품종은 다음과 같습니다.

바라타 나티암(Bharata natyam):인도 남부의 타밀나두(Tamil Nadu) 사원에서 발전했습니다. 자극적인 타악기 흐름이 포함되어 있습니다. 공간과 움직임은 정밀한 기하학적 선을 따라 감지되며, 연약한 발놀림으로 강조됩니다.

Kathak:전통적인 북인도 이야기에서 유래되었습니다. 나중에 힌두교와 몽골 궁정에서 번성하여 오늘날의 미묘하고 세련된 형태로 변모했습니다. 이 스타일은 복잡한 발놀림과 빠른 몸 회전이 특징입니다.

Odissi:인도 동부 출신. 서정적이고 유려한 라인은 잠시 쉬는 시간으로 구분되며, 무용수들은 일부 사원의 벽에서 볼 수 있는 조각적 포즈를 취합니다.

마니푸리(Manipuri):인도 북서부의 마니푸르(Manipur)에서 유래된 우아하고 부드러운 스타일입니다. 무용수들은 작은 발걸음과 점프를 하고, 여자들은 뻣뻣하고 긴 치마를 입는다. 크리슈나에 관한 전설은 공연에서 발전된 주제입니다.

카타칼리(Kathakali):인도 남서부의 케랄라에서 유래되었습니다. 이 활기차고 극적인 스타일은 무술 전통과 관련이 있습니다. 신화와 전설의 등장인물을 표현하기 위해 마임, 메이크업, 양식화된 의상을 사용합니다.

Mohini Attam:케랄라에서도 등장했습니다. 여자들은 흰색과 금색 옷을 입고 춤을 춥니다. 그것은 나티암 바라타(natyam bharata)와 카타칼리(kathakali)와 현지 민속춤, 특히 카이코티칼리(kaikottikali)가 혼합된 것입니다.

쿠치푸디(Kuchipudi):안드라 프라데시 남부 주에 있는 쿠치푸디 사람들의 이름에서 유래되었습니다. 나티암 바라타와 공통된 요소가 많으며 활기차고 강렬합니다. 개별 공과 극적인 춤으로 구성됩니다.

민속

고전 형식은 포크 댄스와 많은 결합점을 가지고 있습니다. 인도 아대륙 전역에는 결혼, 여성을 위한 춤, 남성을 위한 춤 등 특별한 행사를 기념하는 사교 댄스 등 엄청나게 다양한 민속춤이 있습니다. 무용수들은 춤을 추고 노래하며 북의 반주는 빼놓을 수 없습니다. 아마도 가장 잘 알려진 민속춤은 펀자브 지방의 활기차고 활기 넘치는 방그라와 구자라트 지방의 가르바 및 단디아 라스(스텝 댄스)일 것입니다.

영향

수세기에 걸쳐 인도의 춤은 다양한 영향을 받아 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 12세기부터 18세기까지 몽골제국은 북부 지역에서 번성하다가 나중에 쇠퇴했습니다. 황제의 후원으로 궁정에서는 예술, 특히 음악과 회화가 활발해졌습니다. 카탁은 이야기꾼의 전통에서 오늘날의 미묘하고 복잡한 형태로 진화했습니다. 대영제국이 도래하면서 무용은 특히 영국 보호령이 수립된 지역에서 일시적인 일식을 겪었습니다. 영국 교육과 빅토리아 시대의 가치관 부과로 인해 특히 중산층 사이에서 춤은 더 이상 장려되지 않았습니다. 점차적으로 그것은 호의를 얻지 못했고 데바다시스는 사원에서 추방되었습니다.

그러나 20세기 전반에 Rabindranath Tagore, Rukmini Arundale, Uday Shankar와 같은 인물들은 인도 고전 무용의 풍부한 유산을 되살리기 위해 끊임없이 싸웠습니다. 이들은 1947년 인도가 독립을 되찾은 후 춤을 더욱 두드러지게 만들고 이 예술 형태의 눈부신 르네상스를 위한 토대를 마련하기 위해 많은 노력을 기울였습니다. 그 이후로 무용가, 교사, 인도 무용 학생 및 회사의 수가 증가했습니다. 인도, 영국, 북미 및 호주의 학교로.

민속전통과 고전무용이 이어져 온 것처럼 지난 50년간 현대무용과 영화무용도 등장했다. 후자는 대중적인 예술 형식이 되었으며 Mrinalini Sarabhai, Manjusri Chaki-Sircar, Chandralekha 및 Kumudini Lakhia와 같은 안무가는 새로운 언어를 개발하여 고전 전통과 때로는 현대 주제를 바탕으로 현대 작품을 만들었습니다.

영국에는 인도 무용의 오랜 전통이 있습니다. Uday Shankar는 1920년대에 Anna Pavlova와 함께 작업했습니다. 1950년대 Ram Gopal의 투어는 1970년대 영국 회사의 투어와 함께 계속되었습니다. Shobana Jeyasingh은 Michael Nyman, Richard Alston과 같은 서양 작곡가 및 안무가, 그리고 현대 인도 극단 및 안무가들과 협력하여 인도 고전주의를 일반 대중에게 전달하는 혁신적이고 도전적인 방법을 창조함으로써 새로운 분야를 열었습니다.