19세기 프랑스 회화사에 관한 최신 매뉴얼의 색인을 살펴보면 다음과 매우 유사한 내용을 볼 수 있습니다.
1. 신고전주의 (데이비드와 앵그레스)
2. 낭만주의 (제리코, 들라크루아, 샤세리아우)
3. 현실주의 (쿠르베, 밀레, 도미에, 바르비종파)
4. 인상주의 (마네, 모네, 르누아르, 피사로, 드가…)
5. 포스트 인상주의 (고갱, 툴루즈 로트레크, 반 고흐, 쇠라, 세잔)
6. 상징 (모로, 퓌비 드 샤반, 르동).
즉, 우리는 일련의 스타일, 가장 유명한 작가 및 주요 작품을 볼 수 있습니다. 내가 말했듯이, 우리는 현재 매뉴얼에서만 이 가정된 색인을 볼 수 있지만, 예를 들어 1900년의 매뉴얼에서는 볼 수 없습니다. 왜일까요? 왜냐하면 오늘날과 수십 년 동안 작품, 작가 및 스타일이 높이 평가되었지만 당시에는 대중과 비평가들에 의해 무시되거나 혐오되었기 때문입니다. 나는 모든 인상주의자들보다 앞서 말합니다. 당시 가장 유명한 작품은 위대한 작품과 함께 학문적 절충주의 스타일 또는 퐁피에에 속했습니다. , 오늘날 이러한 내용은 봉사 활동과 학교 매뉴얼에서 사라졌고 따라서 일반 대중의 지식에서도 사라졌습니다.
이 사실을 당시 파리의 부르주아 신사이자 19세기 후반 프랑스 회화의 감정가에게 말하면 그는 우리를 미친 듯이 받아들일 것입니다. 마네, 르누아르, 모네 또는 반 고흐의 미완성 작품이 무한한 우아함을 지닌 가이르, 카바넬, 제롬, 부게로, 쿠튀르 또는 보나의 작품보다 어떻게 더 가치가 있을 수 있습니까?
"홀의 심사위원 회의", 헨리 거벡스(Henry Gervex) 그림, 1885년
오늘날 이 예술가들은 일반 대중에게 알려지지 않았고 인상파는 모두에게 알려져 있지 않습니까? 글쎄요, 당시의 "일반적인" 파리 팬에게는 그 반대였을 것입니다. Bonnats, Coutures 및 기타 사람들은 그들이 좋아하는 위대한 스타일 것이지만, 그들은 마네를 너무 현실적이고 현대적인 주제와 인간 모델로 부르주아지를 끊임없이 스캔들시키려는 그의 끊임없는 의도 때문에 혐오스러운 화가로 볼 것입니다. 만약 그가 인상파를 안다면, 그는 그의 작품을 이해하지 못할 것이고, 그들이 그리는 주제 때문에 그것들을 매우 천박한 그림의 미완성 스케치로 볼 것입니다. 학문적 스타일의 예 “젊은 그리스인, 닭싸움 ", 장 레옹 제롬 지음.
“젊은 그리스인들, 닭싸움”, 장 레온 제롬, 1846년
퐁피에 , 우리가 말했듯이 그들은 예술적 엘리트였습니다. 그의 예술 개념은 전시회나 공식 살롱을 조직한 파리 미술 아카데미가 만든 공식 경로로 표시되었으며, 그곳에서 근무 중인 심사위원들은 어떤 그림과 작가가 상을 받을 가치가 있고 어떤 작가는 그렇지 않은지 결정하고 다음을 따랐습니다. 일반적으로 그들은 해마다 승리를 거두었습니다.
반면 인상파는 전혀 아무것도 아니었습니다. 마네를 제외하면 그들은 살롱을 통해 성공하려는 노력을 포기했다. 심사위원단은 그 작품을 결코 인정하지 않았습니다. 왜냐하면 그들에게 그것은 두 번째 카테고리의 그림, 즉 어떤 가치도 없는 그림이었기 때문입니다. 따라서 이 예술가들은 '인상파'로 알려지기 전에 개인전을 열어 자신의 작품을 전시하고 자신을 알렸습니다. 1874년의 부르주아는 그 전시회를 알고 있었을 것이지만 선험적으로 그것을 보러 갈 생각은 하지 않았을 것이다. 사람들이 스캔들에 빠져 웃다가 죽는 사이에 떠났다는 신문의 상처와 맹렬한 비난을 읽고 나서야 나는 친구를 만나 그녀를 만나러 대다수가하는 일, 스캔들을 당할 것입니다. 웃으면서 그 작품들을 과소평가해 보세요. 이러한 행동은 두 학교의 작업이 가능한 모든 관점에서 스펙트럼의 반대쪽에 있기 때문에 발생했습니다. 몇 가지를 살펴보겠습니다:
- 인상주의 작품이 미완성으로 보이고 붓놀림이 완벽하게 관찰된다면, 절충주의 작품에서는 반대 효과를 추구하며, 칠하지 않은 것처럼 보이고 붓의 흔적이나 흔적이 없습니다. 인상파 작품의 거칠기는 예술적 언어로 "슬릭백(slicked back)"으로 알려진 퐁피에의 깔끔하고 부드러움과 대조됩니다.
- 인상파의 넘쳐나는 색채주의는 학자들이 색채에 부여한 낮은 가치, 즉 잘 표시된 그림에 크게 의존하는 것과 대조됩니다. 그리고 인상파의 광채의 폭발은 절충주의의 단순한 균질한 광채를 훨씬 뛰어넘습니다.
- 학술가들이 신화나 역사 등 가장 고귀한 장르에 대해 대형 작품을 만드는 반면, 인상파는 아카데미에서 완전히 추방된 장르, 시골과 도시의 풍경, 장르 장면에 대해 중소 형식의 작품을 만듭니다.
- 인상파 화가들이 사전 스케치 없이 현장에서 직접 그림을 그리러 나갔고 이젤, 물감, 붓, 휴대용 크기의 캔버스, 스툴 및 샌드위치를 짊어지고 있었다면; 학자들은 늘 그랬던 것처럼 작업실에서 그림을 그립니다. 먼저 일반적인 구성과 특히 인물의 스케치를 만들고 몇 달 후 모든 것이 준비되면 이를 3인치 미만의 캔버스로 옮깁니다. 길이가 2미터, 높이가 2미터입니다. 간단히 말해서, 1년 반 또는 2년 안에 그는 그림을 완성할 것이고(물론 살롱에 출품할 시간에 맞춰), 인상파 화가는 자신이 서투르면 일주일 안에 그림을 완성할 것입니다. 아니면 두 개.
- 학술지침에 따라 현재로부터 도망쳐야 했습니다. 고전적이든 동양적이든 중세적이든 과거에 일어났던 모든 종류의 장면이 그의 작품에서 재현될 수 있으며, 항상 비현실성과 이상화의 힌트가 있고 때로는 특정 에로틱한 느낌이 가미되기도 합니다. 인상파가 따르는 지침은 매우 간단하여 호수, 도시, 강, 마을, 숲 등 현재의 순간을 항상 사실적으로 표현하는 것이었습니다. 그래서 당시 파리와 그 사람들의 모습은 인상파가 만든 것이지 다른 사람들이 만든 것이 아닙니다.
- 절충주의자들이 강요되고 연구되고 이상화된 자세로 인물을 그린다면 인상파는 멀리서 그림을 그릴 때 얼룩이 흩날리는 모습으로 직접적으로 표현하고, 가까이서 그린다면 사실적인 삶의 자세로 그린다. 일상생활, 심지어 하품까지 하는 드가가 아이러니를 가지고 그랬던 것처럼.
드가의 "아이러너스"
야외에서 모네 그림
그렇다면 왜 미술사는 변했고 오늘날의 인물은 누구였는지 거의 기억되지 않으며 우리는 욕을 먹거나 무시당한 사람들을 칭송하는 걸까요? 기본적으로 학술 회화는 새로운 것을 가져오지 않았기 때문입니다. 주제도 스타일도 아닙니다. 이것이 바로 Bouguereau, Gleyre, Cavanel, Gerome, Bonnat 또는 Couture와 그들의 스타일이 일반적으로 망각에 빠진 이유이며, 그들이 언급될 때, 예를 들어 전시회에서와 같이 "복구"되어야 한다는 것이 인식되는 이유입니다. 티센 드 마드리드 박물관은 2011년에 이 작품을 장 레온 제롬(Jean-León Gerome)에게 헌정했습니다. 그리고 그들의 예술적 가정의 급진적인 성격으로 인해 오해를 받았던 인상파들은 오늘날 많은 사랑을 받고 있으며 그들의 스타일은 수십 년 동안 대중에게 가장 큰 사랑을 받아왔습니다.
