회화에서 인상주의는 1860년대 프랑스에서 등장한 예술 사조입니다. 이 용어는 모네의 유명한 작품 《인상, 해돋이(1872)》에서 유래했으며, 19세기 말에 나타난 한 음악 양식을 가리키기도 합니다. 인상주의 화가들은 빛의 끊임없고 미세한 변화가 사물에 만들어내는 효과를 드러내며 야외 풍경을 그렸습니다. 물결의 반짝임이 대표적인 예입니다. 클로드 모네, 폴 세잔, 피에르 오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬레, 카미유 피사로가 이 운동의 주요 인물들입니다. 처음에는 비판받고 오해받으며 공식 살롱에서 배제되었지만, 이들은 1874년 파리에서 자신들만의 전시회를 직접 열었습니다.
새로운 예술적 접근
인상주의 운동은 1860년대 프랑스에서, 야외 회화의 선구자인 카미유 코로(1796~1875)의 예술을 존경하던 새로운 세대의 화가들과 함께 탄생했습니다. 전통과 결별한 최초의 화가인 코로는 자연을 사실적이면서도 빛나는 방식으로 표현하고자 했고, 퐁텐블로, 옹플뢰르, 프로방스, 리옹 지역에서 화가 그룹이 결성되는 데 영감을 주었습니다. 1865년부터는 샤를 프랑수아 도비니(1817~1878)가 이 흐름의 선두에 섰고, 앙투안 상트뢰유(1814~1873)와 함께 배를 타고 우아즈 강을 따라 여행하며 그림을 그렸습니다.
또 다른 선구자인 외젠 부댕(1824~1898)은 모네의 예술적 성장에 결정적인 역할을 했습니다. 시간대와 바람에 따라 끊임없이 변하는 자연의 색채에 매료된 그는 젊은 모네에게 야외에서 직접 그림을 그릴 것을 권유했습니다. 1857년부터 1861년 사이, 다양한 배경을 가진 인상주의의 거장들은 샤를 글레르의 화실(모네, 르누아르), 스위스 아카데미(모네, 피사로, 세잔), 루브르 박물관(드가, 마네)에서 만났습니다. 이들은 귀스타브 쿠르베보다 덜 급진적인 사실주의를 추구했습니다. 이름을 알리기 위해서는 살롱에서 입지를 굳혀야 했지만, 심사위원단은 풍경화에 별다른 관심을 두지 않았습니다. 에두아르 마네는 1865년 《올랭피아》로 큰 스캔들을 일으켰습니다.
기법과 '인상주의'라는 명칭
인상주의 회화의 제작 과정은 매우 빠릅니다. 순간적으로 스치는 인상을 기록하는 것이 목적이기 때문입니다. 이들은 정교한 윤곽선과 명암법을 버리고, 원색과 보색의 작은 붓터치로 형태와 부피, 그 순간의 분위기를 암시합니다. 색조는 분해됩니다. 예컨대 초록색은 파란 터치와 노란 터치를 나란히 놓아 얻어집니다. 인상주의 회화는 색채가 폭발하는 듯한 붓질들이 하나의 사실적인 전체를 이루는 것이 특징입니다. 이 사조의 역사는 전통적으로 1874년부터 1886년 사이 모네, 르누아르, 세잔의 전시와 연결되지만, 실제로는 그 틀을 훨씬 넘어섭니다.
모네는 1873년 《인상, 해돋이》를 완성했습니다. 다음 해 전시된 이 작품은 논란이 많던 일간지 르 샤리바리의 평론가 루이 르루아로부터 혹평을 받았습니다. 비평가는 '인상주의'라는 용어를 처음 사용했는데, 조롱하려는 의도였습니다. 그러나 모네는 낙담하지 않았고, 1877년 전시회와 미술 잡지 《랭프레시오니스트》 창간호에서 이 용어를 스스로 두 차례 사용했습니다. 결국 이 이름은 운동의 영광에 기여하게 됩니다. 빛을 추구하고 연속적인 붓질로 그림을 그리는 새로운 세대의 화가들을 가리키는 명칭이 된 것입니다.
자연과 풍경 외에도 도시와 그 현대성, 일상의 장면들도 인상주의 화가들의 소재였습니다. 이들은 도시의 활기찬 분위기와 특유의 빛을 동시에 포착하고자 했습니다. 클로드 모네는 생라자르 역을 그린 연작을 남겼고, 에드가 드가는 경마장, 오페라, 카페의 역동적인 세계를, 피에르 오귀스트 르누아르는 물랭 드 라 갈레트를 그렸습니다.
클로드 모네와 피에르 오귀스트 르누아르
초기의 모네는 혁신보다 모방에 가까웠습니다. 선배들의 우수에 젖은 표현을 신선함 없이 따라 했죠. 1863년부터는 르누아르를 포함한 동료들과 함께 퐁텐블로 숲에서 작업하며 기량을 닦았습니다. 1866년부터는 독창성이 뚜렷해지며 여러 걸작을 탄생시켰습니다(《르아브르 근처 해변의 테라스》, 1866 / 《정원의 여인들》, 1867).
풍경은 더 이상 화가의 내면 상태를 대변하지 않습니다. 순수하게 형식적인 작업의 구실이 되는 것입니다. 모네는 자연의 찬란한 빛만을 그렸고, 색채를 그림의 진짜 주제로 삼아 잡힐 듯 잡히지 않는 풍경이 주는 인상을 재현했습니다. 바람과 빛이 거의 만져질 듯 느껴질 정도로 표현 효과를 극복했으며, 아카데미즘의 주제와 형식에 대해 서양 회화사에서 유례없는 자유를 보여주었습니다. 그의 예술은 1890년대부터 지베르니의 정원에서 영감을 받은 《수련》 연작으로 정점에 달합니다.
르누아르는 풍경화에서도 뛰어난 솜씨를 보였지만, 인물 묘사를 더 선호했습니다. 성공에 대한 갈망이 빨랐던 그는 살롱에 작품을 출품했고, 여러 번 낙선한 끝에 1868년 《양산을 든 리즈》로 입선합니다. 빛과 그림자의 놀이에 대한 취향은 인상주의 시기의 다른 작품들에서도 엿볼 수 있습니다. 1874년 첫 인상주의 전시회에 참여한 그는 이후 《풀숲의 오솔길(1875)》, 《물랭 드 라 갈레트의 무도회(1876)》, 《샤팡티에 부인과 자녀들(1878)》, 《뱃놀이 점심(1881)》 등을 제작했습니다. 이후에는 점차 운동에서 벗어나는 모습을 보입니다.
후기 인상주의와 음악에 미친 영향
후기 인상주의는 인상주의를 계승하거나 결별하는 여러 회화 양식을 통칭합니다. 빈센트 반 고흐와 앙리 드 툴루즈 로트렉은 초기에 인상주의 화가로 출발한 뒤 새로운 회화의 길을 열었습니다. 신인상주의는 조르주 쇠라(《그랑드 자트 섬의 일요일 오후》), 카미유 피사로, 폴 시냐크가 대표합니다. 이들은 점묘법이라는 특수한 기법을 사용했는데, 캔버스에 순색의 작은 점들을 찍어 넣는 방식입니다. 적당한 거리에서 보면 이 점들이 모여 형태와 명암의 영역을 이룹니다.
음악 분야에서 인상주의는 프랑스에서 특히 꽃피웠습니다. 19세기 말부터 20세기 초까지, 인상주의 회화와 폴 베를렌, 샤를 보들레르, 스테판 말라르메의 시가 미친 영향 아래에서입니다. 형식(소나타, 교향곡)을 중시하는 고전주의(모차르트, 베토벤)와 대비되며, 과감한 감수성의 낭만주의 음악과도 구별됩니다. 작곡가 클로드 드뷔시는 정교한 음향과 풍부한 화성 팔레트로 인상주의의 대표 주자가 되었습니다. 주요 작품으로는 《목신의 오후에의 전주곡》과 《펠레아스와 멜리장드》가 있습니다.
인상주의 화가들의 유산
인상주의 화가들마다 저마다의 독창성이 드러납니다. 모네를 제외하면 대부분 새로운 미학적 탐구로 나아갔습니다. 르누아르는 붓터치 중심의 기법을 버리고 더 정교한 윤곽을 그렸고, 세잔은 빛이 구조화하는 치밀한 형태를 표현하기 시작했습니다. 그럼에도 인상주의의 접근 방식은 모든 아카데미즘을 뒤흔들어 놓았습니다.
더 나아가 사실주의를 지향한 이 화가들은 현실을 분해하고, 자연에서 붙잡기 어려운 것을 포착하려 애쓰며 현실을 덧없는 것으로 만들었습니다. 조르주 쇠라(1859~1891)가 대표하는 점묘주의·신인상주의를 예고했으며, 인상주의 예술은 여전히 구상적이지만 색채를 내용보다 우선시했기 때문에 20세기 추상미술을 예고하기도 했습니다. 빈센트 반 고흐와 앙리 드 툴루즈 로트렉 역시 초기에는 인상주의에 동기를 표했다가 새로운 회화의 길을 개척했습니다.
더 읽을거리
- 《인상주의 화가들의 진짜 이야기》, 자비에 모듀위, 세드릭 르마냉 지음, 아르망 콜랭, 2017.
- 《인상주의 소백과》, 가브리엘레 크레팔디 지음, 솔라르, 2018.
