17세기 네덜란드 회화

네덜란드 회화의 황금기 ,17세기 Rembrandt, Frans Hals, Jan Vermeer, Pieter De Hooch, Jacob Van Ruysdael 및 Carel Fabritius와 같은 재능 있는 화가들의 출현을 봅니다. 이들의 예술은 곧 대륙 전체에서 호평을 받습니다. 당시 개신교 네덜란드의 예술 작품 생산 시장은 유럽에서 가장 역동적이었습니다. 예술가들은 작업실에서 주문을 기다리지 않고 박람회에서 잠재 구매자를 만나 그들의 예술을 대중화합니다. 개신교의 영향으로 구약에서 차용한 주제가 재발견되었습니다. 마찬가지로 초상화, 정물, 풍경, 일상의 장면 등 장르의 장면이 발전하고 성문화됩니다.

네덜란드 회화의 황금기

신화적인 그림이 여전히 대다수 유럽 예술가들의 지배적인 장르인 반면, 일부 네덜란드 화가들은 겉으로는 무해해 보이는 몸짓을 표현하려고 노력했습니다. 풍속화는 알려진 인물에 관심이 없었고, 목표도 아니었습니다. 이것은 다르기 때문에 익명의 개인이 대표됩니다. 수필가 Tzvetan Todorov의 말에 따르면 "있는 그대로를 표현하는 것"이었습니다. 이 그림의 의미를 이해하는 것은 과거에도 그렇고 지금도 현재의 논쟁거리입니다. 일상을 표현하는 역할만 있는 걸까요, 아니면 도덕적 역할을 하는 걸까요?

이러한 의미에서 렘브란트가 1640년에 그린 "성가족(The Holy Family)"이라는 제목의 그림은 어머니, 어머니, 아기, 목수가 배경에서 일하고 있는 모습을 묘사하고 있습니다. 시청자. 그림의 제목을 보면 마리아, 요셉, 예수로 구성된 가톨릭의 성가족과 비유를 들어야 할까요? 나무를 만드는 아버지를 둔 소박한 네덜란드 가족을 봐야 할까요? 렘브란트가 성가정을 언급했다면 그는 가정생활의 미덕을 보여주고 싶었을까요? 우리는 장르화가 실제로 두 가지를 혼합했다고 믿을 수 있습니다. 일부 예술가는 도덕적인 목적으로 창작하지 않은 반면 다른 예술가는 그렇게 했습니다.

어떤 삶의 기쁨은 특정 그림에서 나오며 특정 화가들은 성공적으로 시도했습니다. 따라서 Adrian Brouwer는 술취함으로 인해 인물의 모습이 왜곡되는 선술집 장면에서 농부의 오락을 풍자적으로 그렸습니다. 아드리안 판 오스타데(1610-1685)는 노동계급의 즐거운 동료의 장면을 묘사하는 데 탁월했습니다.

같은 장르의 라이덴에서 선술집을 운영하던 얀 스틴(Jan Steen, 1625-1679)은 술 취함, 게으름, 흡연, 음란이 체계적으로 뒤섞여 있는 무질서한 집들의 장면을 구성했습니다. 위에. 그는 또한 1664년에 캔버스에 유채로 그린 "세례식"과 같이 즐겁고 조화로운 그림을 자주 그렸습니다. 이 그림은 갓 태어난 아기의 세례를 축하하는 부모와 친구들의 모습을 담고 있습니다. 실제로 개신교와 가톨릭 모두 세례를 매우 중요하게 여겼습니다. 세례는 성체성사와 함께 16세기 루터가 인정한 두 성사 중 하나였으며 원죄를 없애는 것으로 여겨졌습니다. 첫 번째 성찬입니다. 이 성찬이 없이는 신생아의 구원이 보장될 수 없으며, 따라서 아기의 영혼이 고통과 기쁨이 불가능한 낯선 곳인 변방에서 방황하게 될 것입니다.

네덜란드 회화의 장르적 장면

우리는 장르 장면에서 화가가 무엇인지를 표현한다고 말했습니다. 그러나 이것은 정확히 사실이 아닙니다. 필요하다면 스페인과의 독립을 위한 투쟁이든, 영국과의 해상 갈등이든, 네덜란드 전쟁이든, 미국이 매우 자주 전쟁을 벌였기 때문에 장르 화가들이 표현해서는 안 되었기 때문입니다. 전투 장면? 일반적인 회화는 무엇보다도 거의 전적으로 사회의 일상생활과 관련되어 있기 때문에 실제로 전투나 전쟁과는 아무런 관련이 없습니다. 베르메르의 "러브레터"도 마찬가지입니다.

1669년경에 제작된 작품으로 한 여성이 연애편지를 받는 모습이 나옵니다. 관객은 무분별하다는 인상을 받습니다. 그 정확성은 매혹적입니다. 그 장면은 연극적이고, 문은 열려 있고, 커튼이 열려 있습니다. 급히 편지를 가져온 하녀는 아마도 편지를 주고 싶어했을 것인데, 슬리퍼를 바닥에 떨어뜨렸습니다. 하인은 편지를 가져온 것에 만족한 것 같았고, 그녀의 팔은 편안하게 그 편지에 대해 증언했습니다. 음악가의 시선은 의문스럽다. 진주와 직물의 광채가 그 등급을 알려줍니다. 배경 그림은 여러모로 흥미롭습니다.

사실 하인 뒤에 있는 그림의 주제가 편지를 확인시켜 줍니다. 우리는 바다로 출발하는 보트를 봅니다. 배는 편지를 보낸 용감한 사람을, 바다는 사랑을 상징합니다. Jan Hermansz의 사랑에 빠진 상징에 관한 책입니다. 1634년에 출판된 크룰(Krul)은 "사랑은 바다와 같고, 연인은 그릇과 같다"고 말하지 않았나요?

일부 유명한 네덜란드 화가

이 장면은 부르주아적이면서도 소박한 실내에서 진행됩니다. 오른쪽 전경에서 화장실을 볼 수 있습니다. 왼쪽에는 빛이 들어오는 외부 개구부가 있는데, 이는 Pieter de Hooch가 완벽하게 마스터한 것입니다. 우리는 또한 벽을 덮고 있는 몇몇 그림들을 발견했습니다.

때때로 그는 열린 문지방에 서 있는 아이들을 그린 그림도 그렸습니다(바구니를 든 소년, 방, 콜프의 게임, 메신저). 기본적으로 그는 외부 세계에 대한 어린 시절의 호기심, 즉 미지의 것에 대한 탐구와 발견을 상징하고 싶었을 것입니다. 무엇보다도 그것은 그의 예술을 확립하는 방법, 즉 관점의 숙달이었습니다.

19세기에 "델프트의 스핑크스"라고 불렸던 요하네스 베르메르(Johannes Vermeer)는 당대의 유명한 화가였습니다. 가끔 읽는 것과는 달리, 그러나 그의 큰 악명은 나중에 델프트의 예술적 일인자가 되었을 때였습니다. 그를 봉헌한 것은 그의 내면의 장면들이다. 우리는 그에게 천문학자, 젖 짜는 아가씨, 지리학자, 진주 목걸이를 빚지고 있습니다. "La laitière"와 "La Lacemaker"에서 여성은 항상 자신의 일에 열중하는 것처럼 보입니다.

그는 자신의 나라의 다른 모든 화가들과 달리 살기 위해 그리고 돈을 벌기 위해 그림을 그리는 것이 아니라 그것을 사랑했기 때문에 훨씬 더 많은 그림을 그렸습니다. 그는 취미로 예술에 헌신한 진정한 전문가였습니다. Todorov에 따르면 그가 "당대의 예술을 초월"하는 이유는 아마도 이것이었을 것입니다. 게다가 그는 자신의 속도를 결코 바꾸지 않았습니다. 그는 1년에 평균 3~4개의 작품을 그렸습니다.

다니엘 아라스(Daniel Arasse)의 공식에 따르면 그는 "흐림을 그리는 훌륭한 화가"입니다. 그의 그림 대부분에는 그가 재현하는 인물과 관람자 사이에 장애물이 있는 것처럼 보인다. 따라서 주요 대상 앞에는 항상 카펫, 테이블 등이 옵니다. "La Lacemaker"에서는 실이 믿을 수 없을 정도로 정확하지만 나머지는 다소 모호합니다. 기본적으로 베르메르는 시청자가 레이스 제작자처럼 실을 보기를 원했습니다.

그는 "Vue de Delft"와 "La Ruelle"이라는 두 작품이 유명해지기는 했지만 야외 장면을 거의 그리지 않았습니다. 베르메르 사람의 경우, 우리는 그가 11~12명의 자녀를 둔 아버지였다는 것을 알고 있습니다(우리가 읽은 바에 따르면 숫자는 다양합니다). 스무 살쯤 되었을 때 그는 얀 스틴(Jan Steen)이나 반 고옌(Van Goyen)처럼 가톨릭으로 개종했습니다. 놀랍게도 그가 가난하게 죽은 것은 그의 작품이 실패했기 때문이 아니다.

일반적인 작품의 의미로 볼 때, 예술가들은 모든 것 안에 아름다움이 있다는 것을 보여주고자 했던 것 같다. 모든 개인의 모든 몸짓. 그들에게 있어 문제는 더 이상 아프로디테의 아름다움을 그림으로 표현하는 것이 아니라, 아이에게 젖을 먹이는 어머니의 아름다움이 사랑의 여신의 아름다움을 초월할 수 있다는 점을 우리에게 이해시키는 것입니다.

사물의 상징성과 여성과 아동의 표상

종종 사물은 표현의 사실성 뒤에 숨겨져 있지만 그럼에도 불구하고 도덕적인 의미를 가졌습니다. 몇 가지 예를 들면, 빗자루는 집의 청결함이나 도덕적 순결함을 연상시킵니다. 편지는 반드시 사랑을 의미합니다. 거울은 허영심을 나타냅니다. 실제로 화가들은 거울의 표현을 통해 인체가 몇 가지 인공물을 추가하고 "스스로를 아름답게 하거나 아름답게 만드는 것"을 통해서만 타락할 수 있다는 것을 보여주고 싶었습니다.

성욕은 양파나 개의 존재로 표현될 수 있습니다(Gérard Dou의 "Le Hachis d 'Onions') 그리고 우연히 Gerrit Dou의 제자였던 Gabriel Metsu의 'Dame à son virginal' 또는 심지어 Jan Steen의 "Oyster Eater"에서는 장난꾸러기 여인이 한 줌의 굴을 먹는 모습이 나옵니다. 게릿 도우(Gerrit Dou)의 그림에서는 젊은 여성의 시선과 최음제로 여겨지는 굴의 존재로 대표되는 관능미가 분명하게 드러나며, 이러한 사물의 상징성은 동시대인들에게 알려졌고 그들은 이 그림의 도덕적 의미를 쉽게 짐작할 수 있었습니다.

피테르 얀센스 엘링가(Pieter Janssens Ellinga)의 그림 "독서하는 여인"은 조명이 밝은 방에서 독서를 하는 여성을 보여줍니다. 미국의 여성들은 프랑스보다 더 뚜렷한 자유를 누렸고, 유럽보다 훨씬 더 많은 자유를 누렸습니다. 그러나 이것이 우리가 남녀 평등을 믿어야 한다는 의미는 아닙니다. 그럼에도 불구하고 여성은 집에 머물면서 자녀를 임신하고 키우도록 권장됩니다. 더욱이 많은 장르의 장면들이 그들을 그렇게 하도록 초대합니다. 이미 인용한 Judith Leyster의 사례가 이를 잘 보여줍니다. 일반화가들의 대표적인 화가였다면 그녀의 작품 대부분은 결혼 이전에 제작된 작품들이었다.

아동이 불순종과 무질서를 상징하는 경우가 많습니다. 그러나 그것은 또한 미덕을 불러일으킬 수도 있습니다. 때로는 Pieter de Hooch(두 명)처럼 자녀가 거의 없는 화가는 그림에서 어린이를 자주 표현한 반면, 12명의 자녀를 둔 Vermeer와 같은 화가는 결코 어린이를 표현하지 않았습니다!

더 나아가기

- 플랑드르와 네덜란드 그림. 에디션 Place des Victoires, 2015.

- 17세기 네덜란드 화가, 빌헬름 마틴(Wilhelm Martin) 작. 몽포트, 1994.

- 엘로이 루소의 베르메르와 네덜란드 거장들. 라루스, 2017.